馬克·諾弗勒（Mark Knopfler）帶著恐怖海峽樂團（Dire Straits）賣出上億張唱片，卻常說自己做得不夠好。他的生平、指彈與不用撥片的故事，故事館的〈馬克·諾弗勒（Mark Knopfler）：不用撥片的恐怖海峽主唱吉他手〉已經寫過；這一課只整理他在訪談裡談寫歌、巡演、錄音和學習的親口心得，每段標明媒體與年份，並附上可以照做的練習。
一輩子只做一件事：寫一首好歌，再把它錄好
2018 年 12 月，諾弗勒推出個人專輯《Down the Road Wherever》，上美國公共廣播電台 WBUR 的節目《Here & Now》。主持人問起他的創作，他的回答簡單得驚人：歌一直來，事實上，年紀越大，來得越多。
他說，自己還是在做同一件事：如果可以的話，寫一首好歌，然後試著把它錄成一張好唱片，就這樣而已。接著他補了一句：這差不多就是他想做的一切，人生裡他想做的全部。
那一年他快七十歲，已經賣出上億張唱片，說出來的目標卻和一個剛開始寫歌的年輕人一樣。他沒有談市場、沒有談風格，只談「好歌」和「好唱片」兩件事，而且順序很清楚：先有歌，才有唱片。
被問到新專輯裡的〈When You Leave〉，他說，不知道是不是年紀大了，那首歌已經在身邊晃了很久。他永遠不知道一首歌什麼時候才「夠有道理」，可以算是完成品；有些東西可以放上很久，所以沒有公式。他還笑說：如果有公式，他保證一定告訴你。
他也說，這首歌可能來自多年聽小號手查特·貝克（Chet Baker）的影響：被那種小號的聲音打動，就想寫一首那種味道的歌。一位吉他手，靈感來自一支小號，這和他後來說的「讓吉他代替嗓子」是同一件事：他聽的是音樂，不只是吉他。
- 建一個「還沒寫完的歌」資料夾，把片段都放進去，不急著完成，每個月回頭聽一次。
- 挑一位你喜歡的非吉他樂手（小號、薩克斯風、歌手），模仿他一句旋律的語氣，用吉他彈出來。
- 寫完一首歌後，先問自己「這是一首好歌嗎？」，再去想編曲和音色。
教書和當記者，教會他的事
諾弗勒組團前當過報社記者和學院講師（詳見〈馬克·諾弗勒（Mark Knopfler）：不用撥片的恐怖海峽主唱吉他手〉）。在同一場 WBUR 訪談裡，他說了這兩份工作對音樂的真正影響。
講到教書，他說得很直白：那份教職，其實只是一份讓他在努力當樂手時「保住性命」的工作，而它真的救了他。靠那份薪水，他買了一輛摩托車，後來又換回父親的一台舊車，總算能把吉他和器材搬來搬去。
講到新聞工作，他說：如果沒有當過記者，他大概不會成為現在這樣的詞曲作者。那份工作讓他磨利自己的本事、把自己組織好，也學會怎麼「濃縮」。一則新聞要在有限的字數裡把事情說清楚，一首歌也要在幾分鐘裡把故事講完，兩件事其實是同一種功夫。
對想走音樂路的人來說，這段話很實在：正職不一定是夢想的敵人，它可以是讓你撐下去的那輛摩托車；而每一份工作學到的能力，最後都可能用在音樂上。
- 把你現在的工作或課業寫下來，想一想它訓練了你什麼能力（組織、表達、耐心），可以怎麼用在音樂上。
- 練習「濃縮」：把一首歌想說的故事寫成一句話，再把歌詞裡和這句話無關的部分刪掉。
- 替自己的音樂開支列一張清單，先用正職收入買最關鍵的一樣器材。
在電器行的櫥窗裡，寫下〈Money for Nothing〉
WBUR 的主持人也請他說〈Money for Nothing〉怎麼來的。他說，那時他有一部分時間住在紐約，有一天在一家電器行裡，店裡有一整面電視牆，全都轉在 MTV 音樂台。
店裡有個高大的傢伙，正對著電視上那些人發表高見，用詞相當「豐富多彩」。可是他說的很多話實在太經典了，諾弗勒直接走到結帳櫃台，要了一張紙和一支筆，坐進櫥窗裡的廚房展示區，就開始寫這首歌。
那個人說的話，大意是這些傢伙很聰明，能那樣混就是本事。諾弗勒說，那時恐怖海峽一年大概要演兩百五十場左右；他覺得很多孩子踏進搖滾樂，並不是為了工作，所以發現它其實是工作的時候，有時會嚇一跳。
這個故事有兩個教訓。第一，好歌常常不是坐在書桌前「想」出來的，而是從生活裡「聽」來的；他當過記者，知道一句好的原話有多珍貴，所以當下就把它記下來。第二，舞台上看起來輕鬆的人，背後可能是一年兩百五十場的勞動。
- 隨身帶一本小筆記本或用手機備忘錄，聽到有意思的一句話，當下就記下原話。
- 每週從筆記裡挑一句話，試著用它當一首歌的第一句或副歌。
- 如果你想走職業，先算算看：一年兩百五十場，平均一週要演幾場？你的身體和曲目準備好了嗎？
酒吧點唱機上的一課：三件樂器，充滿生命
1990 年代初，恐怖海峽結束《On Every Street》世界巡演後，諾弗勒接受一次長訪談（2019 年由 Guitar.com 重刊）。訪問一開頭，他就說了一個對自己毫不留情的故事。
他說，有一次坐在酒吧裡，聽到點唱機播出自己的〈Telegraph Road〉，那首長達十四分鐘多的大作；他心裡想：這是一堆多麼沒有生命的老東西啊！緊接著，點唱機播了巴弟·哈利（Buddy Holly）的〈Rave On〉，在他聽來完全蓋過了〈Telegraph Road〉，把它打進了草叢裡。
他說：這才是我喜歡的音樂！〈Rave On〉更大、更好，雖然只有三件樂器，卻充滿了生命和喜悅。那對他是真正的一課，而且他認為你可以在新專輯裡聽到這一課的影響。
訪問後段，他又回到這件事：〈Telegraph Road〉和〈Private Investigations〉那幾首長歌，是他在實驗曲式和長度；他們現在還在台上演，但他說自己現在絕對不會再寫那樣的東西了。他最喜歡的音樂是簡單、基本、直接的音樂，「小小的歌」，他也說不清自己當年怎麼會去做那些。
- 把你的一首歌錄成「最少樂器版」：只留吉他、一件節奏樂器和人聲，聽聽它是不是更有活力。
- 建一張「三件樂器也很滿」的歌單，常常拿出來對照自己的編曲。
長途巡演：最要小心的是「彈太多」
談到剛結束的巡演，諾弗勒說，這次比《Brothers in Arms》那次巡演組織得好多了：每一段之間有足夠的休息，每晚也試著換不同的歌。他覺得樂團越演越好，但他提醒：長途巡演要注意的是「彈太多」。
他說，在《Brothers in Arms》巡演時他發現，大家會在音樂裡找空隙去填，回頭聽錄音，才發現每個人都做太多了。這一次他們一直留意這件事，結果就沒有發生。
他也談到場地變大時的分寸：你必須克制，別讓事情失控；但如果在更大的地方演，就得把自己再「投射」出去一點。他說這不是他們當成科學研究的事，大型演出就是一次一次演，慢慢長出來的。他小時候覺得紐卡索市政廳是個很大的地方，現在走進去，卻像客廳，或像經紀人的辦公室。
樂團的編曲也在巡演中長大。他說排練的樂趣之一，是找到和專輯不一樣的做法；這次巡演他們改了很多，連〈Sultans of Swing〉都改了。台上的人很多，彼此的互動越演越多：先在排練時找到可以互相呼應的東西，巡演中又找到更多，歌就慢慢成形；每個人把自己的聲部找得更好，或找到變化，整首歌就發展成別的東西。
他說台上沒有單一的音樂領袖：有時你得跟著鼓手的律動走，有時節奏組要跟著吉他。像〈Heavy Fuel〉就是跟著鼓的節拍走，而〈Two Young Lovers〉那種節奏藍調味道的歌，節奏組就要「縮」在吉他後面，兩種情況剛好相反。
- 樂團排練時錄音，回家只聽一件事：哪裡有人在「填空隙」？那個空隙是不是本來就該空著？
- 每首歌事先講好「這首誰帶」：跟鼓走，還是跟吉他走。
- 同一首歌演了十次以後，找一次排練專門試新的編法，把好的留下來。
監聽怎麼設：先有大鼓、小鼓和大聲一點的腳踏鈸
同一次訪談裡，諾弗勒把自己的舞台監聽講得非常具體。他說，他一定從大鼓、小鼓和腳踏鈸開始，而且腳踏鈸要比一般混音裡聽到的大聲一點；這樣他彈十六分音符時，才能「縮」進拍子裡。他以前還會盡量讓每個人都聽得到腳踏鈸，特別是快速的節奏段落，那能讓大家保持在一起。
他提醒，千萬小心別讓監聽裡塞太多東西。他也想要一個整個樂團的混音，但最後總會變得有點棘手；有時候，乾脆直接聽某個人在台上的原音就好。時間久了，監聽師會記得每個人在每首歌需要什麼，他說那可是非常多種組合。
他的標準很務實：如果聽不清所有和聲，也不能抱怨，你得實際一點；只要基本的東西在，而且能跟著拍子彈，你就已經完成四分之三了。
他說那是他待過最大聲的樂團，台上音量對音控很難處理，但他喜歡台上有相當的音量；如果太小心翼翼地壓台上音量，就會少了一點「油」，你得讓人知道台上有一個搖滾樂團在演。
- 下次上台前，先跟音控說：我的監聽要大鼓、小鼓和腳踏鈸，腳踏鈸大聲一點。
- 監聽裡先只放節奏和自己的吉他，夠用了再加其他東西，別一開始就要全團混音。
- 練團時試一次：關掉監聽，只聽台上原音，看看你能不能跟緊拍子。
好夜晚怎麼來：找到指板上的路，交給專業的人
在 Guitar.com 重刊的訪談裡，記者問他，有沒有那種一切毫不費力就各就各位的「魔幻之夜」。諾弗勒的回答很保留：他真的不知道能不能這樣說，但他會說，某些歌就是比較適合某些樂手。至於那種「超越」的演出多久該發生一次，他也不知道；如果他在指板上找路找得順，又得到自己喜歡的聲音，那麼當然，事情就可能起飛。
這句話很值得初學者記住：他沒有把好演出歸給運氣或狀態，而是歸給兩件具體的事，一是對指板熟到能「找到路」，二是聲音對了。這兩件事都可以在家裡先準備好。
另一件準備好的事，是信任專業。他說那次巡演有一支非常出色的音響團隊，在把事情處理好這方面很有名聲；樂團基本上就是把聲音問題丟到他們手上，由他們搞定，所以他們甚至不必每晚試音。只有要在特別難搞的場館連演好幾晚時，才會試音。而那是一個九人編制、用了很多不同樂器的樂團：保羅·富蘭克林（Paul Franklin）彈三種不同的鋼棒吉他，克里斯·懷特（Chris White）吹三、四種薩克斯風還兼打擊樂，另外還有五個人唱歌。
談到製作人這個頭銜，他也很誠實：《Love Over Gold》掛他製作，但「製作人」是個很鬆的詞；有時候樂團其實是自己在製作，即使唱片上寫的是別人的名字。他說，有時候製作人只是指揮交通，有時候是簽錄音樂手表格的行政工作；通常他會認為那是藝人和製作人之間的合作，製作人帶來的是一個「外面的腦袋」。
- 把你要演的歌在指板上至少找出兩種彈法，讓自己在台上「有路可走」。
- 演出前先把音色調好、拍照記下，別等到台上才找聲音。
- 錄音時請一位你信任的朋友當「外面的腦袋」，只聽、不彈，給你意見。
一起錄音：樂手被剝奪了一起彈的權利
身為製作人，諾弗勒對錄音室有很明確的看法。他在 Guitar.com 重刊的訪談中說，現代錄音最大的問題是：樂手常常被剝奪了和其他樂手一起彈的權利，很多人發現自己在替從沒見過面的人做好的軌道疊錄。
他說，大家一起彈的時候，空氣裡會發生一些事。多軌錄音出現沒多久，樂手就被關進隔音間，聲音不再互相滲漏；滲漏對錄音師來說顯然是一場惡夢，但他很喜歡。當你進入職業錄音的流程，會吸收錄音師和製作人的各種做法，而那不一定都是好事。
他的建議是：如果你有合適的錄音室，樂團也夠好，那就一起錄，好讓大家互相呼應。錄音的過程會鼓勵你每次都追求完美演出，但唱片上的錯誤，過一陣子聽起來會開始變好聽。他說恐怖海峽的唱片裡有一大堆錯誤，接著補了一句：可能還不夠多！他幾乎可以在每一首裡指出錯誤。
他也說，歌在演出中一定會改變，尤其剛開始的時候。錄第一張專輯前，他們排練得很勤、也演得很勤，所以只要走進錄音室、架好器材、開始彈就好；他認為如果《Brothers in Arms》和《On Every Street》的歌先演過，聽起來會很不一樣。他覺得《On Every Street》在很多方面是最好的一張，因為很多東西是大家一起彈錄下的。
最讓人意外的是他的自我評價：他說其實不覺得恐怖海峽有哪張專輯真的那麼好，也一點都不喜歡聽自己以前的東西，聽了會很不自在。一位賣出上億張唱片的人這樣說，提醒我們：對自己作品永遠不滿意的耳朵，正是讓人一直進步的那對耳朵。
訪談最後，他剛開始整理恐怖海峽的下一張現場專輯，卻說自己已經無聊到快瘋了：基本上就是一遍又一遍聽同樣的歌，從中挑出最好的演出版本，非常痛苦，他等不及做完去做別的事。這段話讓人會心一笑，也許正好說明他為什麼那麼看重「一起彈、當下錄」：比起事後在一堆版本裡挑來挑去，他更想把力氣花在演奏的那一刻。
- 樂團錄試聽帶時，至少有一首用「大家同時彈、一次錄完」的方式錄。
- 新歌先在現場演幾次再進錄音室，記下每次演出時自然長出來的改變。
- 聽回放時，先別急著修掉小錯，隔一週再聽，問問它是不是其實讓音樂更有人味。
配樂需要紀律，好音色要記下來
幾乎在製作《Love Over Gold》的同時，諾弗勒接下第一部電影配樂《Local Hero》。他在訪談中說，那可能是他賣得最好的聲音，但他自評那些配樂都不怎麼樣；他開玩笑說，電影公司應該去找一個真的會做這份工作的人。
他說做配樂時，自己好像是從一個危機跌跌撞撞走到下一個危機。那和寫歌很不一樣，需要多得多的紀律，而他說自己就是沒有那種紀律。寫歌可以等靈感、等一首歌「夠有道理」；配樂卻要對準畫面、對準交期，是另一種肌肉。
他也分享了一個很多吉他手都遇過的窘境。〈Money for Nothing〉那個招牌音色，不是他平常的 Strat，而是 Les Paul 接哇哇踏板，把踏板固定踩在某個位置，得到那個特別的聲音；共同製作人兼錄音師尼爾·多夫斯曼（Neil Dorfsman）又加了一點效果，但聲音的基礎就是那個停在一個位置的踏板。
後來他要替怪人奧爾·揚科維奇（Weird Al Yankovic）的惡搞版重現這個音色，卻怎麼也弄不出來：Marshall 音箱開到很大，就是不對。最後是樂團的蓋伊·弗萊徹（Guy Fletcher）記得那是透過一個踏板做的，用上哇哇器，一切才對上。
- 錄到一個喜歡的音色時，立刻拍下音箱和效果器旋鈕的照片，寫下用哪把琴、哪個拾音器。
- 試試把哇哇踏板固定在某個角度，當成一個「濾波器」用，找出你喜歡的位置並做記號。
- 替自己定一次「有交期」的練習：一週內替一段三十秒的影片配上吉他，練習在時間壓力下完成。
和切特一起彈：偷一個樂句，變成自己的
1990 年，諾弗勒和切特·阿特金斯（Chet Atkins）合作專輯《Neck and Neck》（切特的故事詳見〈切特·阿特金斯 Chet Atkins：指彈吉他與納許維爾之聲的推手〉）。他在訪談中說，這張專輯預算有限，他拒絕收錢，最後兩人把版稅對分。
他說，第一次去找切特合作時，切特找了一群來自世界各地的吉他手，他大概是唯一的英國人。他已經從音樂賺到足夠的錢，也知道切特付不起很高的錄音費；他只是很高興被邀請，結果最後兩人一起做了一張唱片，大部分在切特家裡的錄音室錄。
他說，和切特以及像他那樣的好樂手合作，真的幫助了他的演奏：和好樂手一起彈，你永遠都在學。他喜歡改變，不想停在原地；他喜歡自己內心的彈法，不想成為別人，但他也意識到，外面有一整個他不會彈的世界，深不見底。
一跟切特彈，他說，你就明白不如忘了要去彈「切特的東西」，所以他也沒特別為此練習，只是試著做自己。但和切特一起彈是莫大的榮幸，因為你可以偷東西，再把它變成自己的。他的歌〈When It Comes to You〉裡有一個小樂句，就是有一天兩人用開放調弦亂彈時，切特彈了一個很棒的樂句，教給他，他直接把它放進了那首歌。他說切特身上有一大堆這種小樂句，跟他錄音時，他就在旁邊等，等切特彈出什麼，就跟他學起來。
- 找一位比你厲害的朋友一起即興，他彈出你喜歡的樂句時，請他再彈一次，當場學起來。
- 把學到的樂句放進你自己的一首歌裡，換個調、換個節奏，讓它變成你的。
- 和厲害的人合作時，別急著證明自己；試著做自己，同時把耳朵打開。
向老唱片學，讓吉他代替嗓子
被問到學習方法，諾弗勒說，孩子們用採譜書學很好，但他認為學音樂最好的方式，是聽很多很多的老唱片。學新東西時，對以前的音樂有點感覺會很有幫助。他舉了一個例子：B.B.金（B.B. King）要是沒聽過朗尼·強森（Lonnie Johnson），就不會那樣彈。
他自己也翻書。他說如果拿出一本書，他會找到一些東西，把它變成自己的：要嘛是加上自己的風格，要嘛是因為一開始就彈不對！他也說，在巡演中除了演出之外他其實彈得不多；前幾年他花了一些時間拿出書本好好研究，因為有「真正的樂手」找他去錄音。（他從撥片轉成手指撥弦的經過，詳見〈馬克·諾弗勒（Mark Knopfler）：不用撥片的恐怖海峽主唱吉他手〉。）
同一段訪談裡，他也說了自己「把限制變成優勢」的例子。他是左撇子，卻彈右手琴：學校讓他學了兩、三年小提琴，用的是右手的拿法，所以到十五歲時，他已經習慣那樣拿琴。他說這也有好處：強壯的那隻手剛好在琴頸上，可以做出好的揉弦，他也能很輕鬆地同時推三條弦。
談到獨奏怎麼來，他說自己其實不太知道。他認為，不會唱歌，吉他就變得像一副嗓子，你會讓它做一些本來不會做的事；也許不會唱的人，會在樂器上推得更用力一點。
他接著說，有很多吉他手和樂手技巧驚人，但對他來說，他們不一定是「音樂家」；「音樂家」是個很難定義的詞，它遠遠不只是技巧。他舉范·莫里森（Van Morrison）為例：他的嗓子功力驚人，鋼琴和吉他卻沒那麼厲害，但那不重要；他懂音樂是什麼，根紮得很深，深入凱爾特音樂和藍調，還能把兩者融合出偉大的片刻。他說，那和技巧或書本知識沒什麼關係；好的技巧當然有幫助，但不是全部。
他也說自己一直聽鄉村音樂，跑納許維爾很多年了，那份影響在最新的專輯裡更明顯；他一直愛鄉村和藍調，在那個年代，那些音樂對他來說是一種解脫。
- 找出你最愛的吉他手，查他說過受誰影響，再去聽那位前輩的老唱片。
- 每週聽一張 1960 年以前錄的唱片，只挑一個樂句學起來。
- 彈獨奏時，先把旋律哼出來，再用吉他「唱」一次；試著做出你的嗓子做不到的轉折。
一直被音樂吞沒：椎間盤突出照樣演，賣琴是讓老朋友找新家
2018 年在 WBUR 被問到未來，諾弗勒說：好笑的是，這件事一直在吞沒你。他說最近有一次巡演，他的背在芝加哥撐不住了，椎間盤突出，而他就這樣繼續演下去，連自己也說不清那是什麼。他說，這大概代表他也許該少一點現場演出，那會是第一個被犧牲的；但他希望還能繼續寫歌、錄音很長一段時間。
2023 年 11 月，他宣布在佳士得拍賣一百二十把吉他與音箱，四分之一所得捐給英國紅十字會等慈善團體（拍賣結果詳見〈馬克·諾弗勒（Mark Knopfler）：不用撥片的恐怖海峽主唱吉他手〉）。他說這批收藏，是他和吉他六十年「戀愛」的產物，現在是時候放手一些珍貴的六弦夥伴了。
他說：你可以確定我會很捨不得，但我們一起度過了美好的時光，而我沒辦法把它們全部都彈到。他對買家說，祝各位樂手、愛好者和收藏家，和這些老朋友共度許多美好時光。
拍賣後他接受《Guitar Player》訪問（Guitar.com 2024 年報導），承認有幾把讓他「吞了一下口水」，真希望能帶回家；但他同時很開心：你不能讓它們只是積灰塵，讓它們動起來、去找別的家、交新朋友，感覺很好。他也發現，原來自己變成了一個收藏家，那是他從沒想過的身分。
只有一把不賣：1977 年寫〈Sultans of Swing〉時用的那把 1961 年 Strat，也是他的第一把 Strat。被問到要怎樣才能讓他放手，他說：大概要一個很壯的人，或一群很狠的傢伙，它不會輕易走的。
- 整理你的器材：一年沒碰的琴，考慮讓它去找一位會天天彈的新主人。
- 留下那一把「陪你寫出第一首歌」的琴，好好保養它。
- 照顧身體：長時間練琴和演出前後做伸展，背和手腕不舒服就休息、看醫生，別硬撐。
我們可以怎麼練
| 他說的重點 | 可以這樣練 |
|---|---|
| 寫一首好歌，再把它錄好 | 建「沒寫完的歌」資料夾，每月回頭聽一次 |
| 三件樂器也能充滿生命 | 把自己的歌錄成最少樂器版，比較活力 |
| 長途巡演小心彈太多 | 排練錄音，只聽「誰在填空隙」 |
| 監聽先放鼓和腳踏鈸 | 上台前跟音控講清楚，監聽從少開始加 |
| 一起彈，錯誤也會變好聽 | 試聽帶至少一首全團同時一次錄完 |
| 從老唱片學，偷一個樂句變成自己的 | 每週聽一張老唱片，學一個樂句放進自己的歌 |
把整課排成一週的練習（每天約四十分鐘）：
- 週一：從筆記本挑一句聽來的話，寫成一段旋律或歌詞。
- 週二：聽一首三人樂團的老歌，再把自己的一首歌精簡成最少樂器版。
- 週三：從一張老唱片學一個樂句，換調放進自己的歌裡。
- 週四：先哼一段獨奏旋律，再用吉他「唱」出來，加上嗓子做不到的推弦或滑音。
- 週五：練團或和朋友合奏，全體同時錄一次，聽誰在填空隙。
- 週末：把喜歡的音色拍照記錄；整理器材，替身體做伸展。
資料來源
- WBUR《Here & Now》Mark Knopfler 訪談（Robin Young 主持，談專輯《Down the Road Wherever》），2018 年 12 月 3 日
- Guitar.com〈Mark Knopfler〉長訪談（1990 年代初《On Every Street》巡演後訪問，2019 年 8 月重刊）
- Euronews 報導 Mark Knopfler 拍賣 120 把吉他與音箱（引佳士得聲明），2023 年 11 月 21 日
- Guitar.com 報導 Mark Knopfler 談拍賣吉他的心情（引 Guitar Player 訪談），2024 年 5 月 3 日
本課譜例為濃縮示範。需要整首完整的吉他譜、針對你的程度調整彈法，歡迎預約上課，老師一對一帶你練。
LINE 預約上課- 他一輩子只想做一件事：寫一首好歌，再把它錄成好唱片；歌沒有公式，有些要放很久。
- 教職讓他撐下去，記者工作教他「濃縮」。
- 好歌可以從生活裡聽來：〈Money for Nothing〉寫在電器行的櫥窗裡。
- 〈Rave On〉只有三件樂器卻充滿生命，讓他回頭看自己的長篇大作。
- 長途巡演要小心彈太多；監聽先放大鼓、小鼓和大聲一點的腳踏鈸。
- 樂手應該一起彈，錯誤過一陣子會變好聽。
- 和好樂手一起彈永遠在學；從老唱片學，偷一個樂句，變成自己的。
常見問題
馬克·諾弗勒說自己最想做的是什麼？
2018 年他在 WBUR《Here & Now》說，他一直在做同一件事：如果可以，寫一首好歌，再把它錄成一張好唱片；這差不多就是他人生裡想做的全部。
〈Money for Nothing〉是怎麼寫出來的？
他說在紐約一家電器行裡，一整面電視牆在播 MTV，有個人對著電視大發議論；他覺得那些話太經典，就向櫃台要了紙筆，坐在櫥窗的廚房展示區寫下這首歌。
他對長途巡演有什麼提醒？
他說最要小心「彈太多」：在《Brothers in Arms》巡演時，大家會找空隙去填，回頭聽才發現每個人都做太多；之後的巡演他們特別留意，就沒有再發生。
他的舞台監聽怎麼設？
他一定從大鼓、小鼓和腳踏鈸開始，腳踏鈸比一般混音大聲一點，方便彈十六分音符時縮進拍子；監聽不要塞太多東西，只要基本的在、能跟拍子彈，就完成四分之三了。
他認為學吉他最好的方法是什麼？
他說用採譜書學沒問題，但最好的方式是聽很多很多老唱片，對以前的音樂有感覺；就像 B.B.金要是沒聽過朗尼·強森，就不會那樣彈。
照片：Christopher Bowley／CC BY 2.0／Wikimedia Commons
Victor Schiferli／CC BY-SA 2.0／Wikimedia Commons
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《大海嘯》榮獲 2012 華語金曲獎「年度最佳獨奏專輯」，並入圍第 23 屆金曲獎最佳演奏專輯；著有《指彈吉他訓練大全》；曾擔任上千場大型演唱會的樂手，合作過李宗盛、周杰倫、張惠妹、田馥甄等歌手。擁有 30 年演出與教學經驗，在台北中山區親自一對一教學（台北學吉他・盧家宏吉他音樂教室），也開設線上吉他直播班。
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