賴瑞·卡爾頓（Larry Carlton，也譯賴瑞·卡爾頓）被稱為「Mr. 335」，錄過數千場錄音。他的生平與錄音室故事，在〈賴瑞·卡爾頓（Larry Carlton）：「Mr. 335」的錄音室傳奇〉那一課已經寫過；這一課只整理他在 2019 到 2026 年幾次影片訪談裡說的話，歸納成三個重點：三和弦、感覺、做自己，並附上可以照做的練習。
烤馬鈴薯俱樂部的前排：一位大師談自己怎麼想
洛杉磯北邊的影城（Studio City）有一家小小的爵士俱樂部，名字很可愛，叫「烤馬鈴薯」（The Baked Potato）。2019 年 6 月，瑞克·貝托（Rick Beato）在這裡坐在離卡爾頓大約五英尺的位置，聽了一整晚，隔兩天就在同一個地方架起攝影機訪問他。貝托在片頭先道歉：訪問是臨時安排的，收音不夠好。
對卡爾頓來說，這裡像回家。他說，他曾經很長一段時間，每個星期二晚上錄完音，就和一群錄音室樂手來這裡演出。他們當時並不知道，自己只是常常在這裡即興玩音樂，卻替器樂創造了一股新的能量；他也說，這裡是他們從「錄音室樂手」成長為「真正會演奏的人」的地方。
這一課就從這支訪談出發，再加上他在 2009 年 TrueFire 教學影片、2025 年 Thinking About Guitar 訪談、2026 年 Vertex Effects 訪談中說過的話。他談的東西，可以歸納成三個重點：第一，在和弦上疊三和弦，找到他所謂的「錢音」；第二，追的是感覺，而不是音符；第三，在團體裡偷學，最後做你自己。
重點一：走路上學時想通的一個和弦——在和弦上疊三和弦
貝托一開口就點出他最好奇的地方：卡爾頓彈和弦像爵士樂手一樣講究，獨奏時卻混著搖滾、藍調、放克與爵士；而且他的和弦語彙比許多爵士前輩還複雜，常用「低音上的三和弦」與複合和弦。他想知道，這是從哪裡來的？
卡爾頓說，先從年代講起。他 1948 年出生，1950 年代聽的是 doo-wop，六歲開始上吉他課，1960 年代初又聽到查克·貝瑞（Chuck Berry）的搖滾樂；十四歲左右和年紀比他大的樂手一起演出，聽到大大的爵士和弦，耳朵整個被打開。所以他一邊彈流行歌的演出，一邊每天放學後聽爵士。他說，這些全都融在一起，變成他今天的樣子；如果沒有聽過 doo-wop，他就不會是同一個樂手。
至於和弦，他說了一個很有畫面的故事。國中時他開始對爵士有興趣，知道有一種和弦叫 G13♭9。有一天走路上學，他在腦中想著這個和弦，突然發現：它的頂端其實是一個 E 大三和弦，疊在 G7 上面。他說那就是起點。更妙的是，他的吉他老師那幾年從來沒有教過他音階或調式，所以這完全是他自己想通的：一個 E 疊在 G 上，作用像減和弦，那就表示還有另外三個位置也可以這樣疊。
從此以後，遇到一首和聲複雜的標準曲，碰到變化和弦，他就會想「這個和弦上面還可以疊哪個和弦」。貝托問他：例如在 B♭6/9 和弦上，你獨奏時會想 B♭、F、C 這幾個大三和弦嗎？卡爾頓說，那也是從看和弦來的；像在 G 上面彈 D 大三和弦，他把這些音叫做「錢音」（money notes），也就是最有顏色的音。他又自嘲一句：這其實是出於無知，因為他根本不懂音階，那只是他自己的小觀念。他們彈 G 大七和弦，他就想 D，因為它聽起來很好。
2009 年他在 TrueFire 的教學影片《335 Improv》裡，示範得更具體：在 Cm7 到 F 的進行上，他先彈 C 小三和弦的一、三、五度，再到 F 的一、三、五度；接著加上 E♭ 三和弦。他說，三和弦本身很簡單，讓它變得有趣的是節奏，是你怎麼詮釋：同樣的四個三和弦，你把它拆開，用自己的方式做成音樂。
- 在 G7 上按一個 E 大三和弦（E、G#、B），聽它和 G13♭9 的聲音有多像；再把 E 三和弦往上移小三度三次（G、B♭、D♭），每個都試試看。
- 大七和弦上，試著彈「它的五度」上的大三和弦，例如 Gmaj7 上彈 D 三和弦，找出卡爾頓說的「錢音」。
- 選兩個和弦（例如 Cm7 到 F），只用各自的三和弦即興，練到你能用節奏變化讓四個三和弦聽起來不一樣。
鋼琴般的緊密和弦：喜歡一個聲音，它遲早會跑進你的手
貝托觀察到，卡爾頓前一晚彈和弦時線條一直在動，像鋼琴手一樣有聲部進行。卡爾頓說，他很愛鋼琴上那種緊密的和弦排列，雖然大部分在吉他上很難、甚至不可能按出來，但他就是喜歡那些聲音。他接著說了一句很值得記的話：如果你喜歡一樣東西，它最後應該會從你的演奏裡出來。
他提到鍵盤手喬·山普（Joe Sample），說自己在山普身旁坐了很多年，對方能做出他做不到的和弦；他也提到編曲家克萊爾·費雪（Clare Fischer）的和弦。他說很多年來，他根本按不到那些和弦，也沒辦法放進歌裡；但因為太愛了，經過一年又一年，它們慢慢變成他的手、變成他的東西。
貝托問：這是不是在錄音室替別人彈了太多聲部，才練出來的？卡爾頓說他不這麼認為。他覺得這些在他成為錄音室樂手之前就已經在了；錄音室並不是學聲部進行的地方，你要嘛有這種意識，要嘛沒有。說穿了，他彈的方式，就是他喜歡聽的方式。
他也很誠實地說出自己的弱點。貝托稱讚他彈律動曲時那些單音伴奏的小樂句，問是不是在爵士十字軍樂團（The Crusaders）學的。他說，那是從身邊的人那裡耳濡目染來的，樂團早期的唱片用的是大衛·T·沃克（David T. Walker）和亞瑟·亞當斯（Arthur Adams），他們是很棒的節奏樂手；但那不是他的專長，他知道該發生什麼，卻不是那種東西的大師，有人比他厲害太多了。
貝托提到，前一晚卡爾頓即興彈了一首和弦旋律版的〈生日快樂歌〉，好聽得不可思議。卡爾頓說，那時他想的是「顏色」：可以加什麼顏色讓它好玩，也就是用變化和弦，但又不要外到不像音樂。他說多年來演出時，他常問台下今晚有沒有人生日，再請對方點一個調，有人會故意想考倒他，點 B 調；他笑說，如果他沒在 B 調彈，你聽得出來嗎？他說這只是好玩，因為他就是愛和聲。
他的和聲品味，也來自小時候聽的吉他前輩。他說小時候聽強尼·史密斯（Johnny Smith）那些美麗的和弦排列；更早一點，巴尼·凱塞爾（Barney Kessel）是很好的墊腳石，他十四歲就學凱塞爾的東西。他特別說，凱塞爾對年輕樂手很合適，因為不像喬·帕斯那麼難。這句話對自學的人很實用：找偶像時，先找一位你「搆得到」的，學會了再往上爬。
- 找一首你喜歡的鋼琴錄音，挑一個你最愛的和弦聲音，試著在吉他上找出最接近的按法，哪怕只能按出其中三個音。
- 練和弦換和弦時，讓最高音連成一條旋律，像鋼琴手的右手一樣。
- 誠實列出自己的「不是專長」，不必假裝什麼都會，但可以從身邊的好手身上一點一點學。
重點二：追的是感覺——柯川的《Ballads》和第一次進入「狀態」
2025 年，卡爾頓在一場吉他活動中接受頻道 Thinking About Guitar 的訪問。主持人問他：怎樣才是一位偉大的即興者？他說這個問題有很多答案。很多人能彈很多音、能把聲部彈出來，可是當你是聽眾時，有時就是不被打動；另一些樂手，每一個音都讓你覺得他有話要說。
他說，在學琴的年紀，我們都會模仿自己有反應的樂手。當他聽到喬·帕斯（Joe Pass）彈〈Catch Me〉，他從沒聽過有人這樣彈吉他，深受感動；後來他聽到約翰·柯川（John Coltrane）的專輯《Ballads》，柯川整張幾乎只是吹旋律，他聽得整個人都融化了。所以年輕時他就想那樣彈，因為他想感受那份熱情。主持人總結：你追的是感覺，而不是別的。他說：追那個感覺。
在 2019 年貝托的訪談裡，他也提過同一張唱片。他說自己一直鼓勵年輕樂手聽柯川的《Ballads》，因為柯川只吹旋律，不多做即興，就能那樣觸動人。他說，他小時候聽到那張唱片時整個人都融化了。對他來說，那張唱片證明了一件事：把旋律吹好，就足以打動人；而能做到只吹旋律、不多即興還能觸動人，本身就是一種功力。
他也談到速度。他說回頭看很多年前的現場錄影，自己其實能彈得很快，但那不是重點，重點是你拿速度去做什麼，而他是個旋律型的樂手。他甚至說，自己當年沒有去學柯川的〈Giant Steps〉，他欣賞那首曲子，但它沒有打動他。
最動人的是他描述第一次進入「狀態」（the zone）的那一晚。十八歲念大學時，他和幾位同學在某人家裡即興，他閉著眼睛坐在凳子上獨奏，那是他第一次體驗到那種感覺，像跑步時的「跑者高潮」：只剩他和樂器合而為一，聽不見別的聲音，時間也失去意義。其他人一個個停了，他還在彈；等他回過神來，大家都盯著他看。他說那一晚，他成熟到和樂器合一的下一個層次。
他說，一旦嚐過那個滋味，你每次彈琴都會想追它。所以每次演奏，他都試著回到那個只有他和吉他的地方，台下也許有人在聽，也許沒有。主持人問他是不是找到了回去的秘訣，他說並不是每次都能做到，但他心裡一直知道那裡是他想去的地方；這也是為什麼他彈琴時常閉著眼睛，只有他、吉他，和他聽到的伴奏。
- 每週挑一首抒情曲，只彈旋律三遍：第一遍照譜，第二遍加上長音的強弱，第三遍閉上眼睛彈。
- 聽一首你喜歡的器樂獨奏，寫下「最打動你的三秒」在哪裡，再去研究那三秒發生了什麼。
- 即興時給自己一個限制：只准彈到你「有感覺」的音，沒感覺就停下來等。
好音色會讓你彈出不一樣的東西；音量踏板是他的動態
貝托問他：有沒有哪一張唱片的吉他聲音，讓你覺得「這就是我的吉他該有的聲音」？卡爾頓說，大概是他在華納兄弟唱片的首張專輯，也就是收錄〈Room 335〉〈Point It Up〉的那一張。那些是疊錄，因為他的錄音室很小；他和工作夥伴非常努力，找到他們覺得最好的音色，而那些音色又反過來啟發他彈。他說，如果沒有做到他們想聽到的音色，他不會彈出同樣的東西。
貝托接話：如果你沒有好聲音，就很難彈，那是一種妥協。卡爾頓同意，並說有些晚上在俱樂部，聲音好得不得了，點子就自己來了。另一個細節是音量踏板。貝托注意到他演奏時一直在踩，有時一句之中就踩下去，讓聲音更有顆粒。卡爾頓說那完全是為了動態：他把它調整到幾乎踩到底時，音箱的前級才開始反應，給他想要的聲音，也就是更有侵略性、卻不會過度飽和。
2025 年的訪談裡，他回憶十五歲生日是在演出的俱樂部裡慶祝的；有一晚，一位高個子的先生拿著紅色的 335 上台，大概彈了〈Moonlight in Vermont〉，他從此忘不了那把琴。後來他先用了 ES-175，最後才回到 335，因為它是一把聲音全面、適合他的琴；他說自己一開始就知道它是對的，而那些錄音的影響力，讓他和這把琴互相成就了彼此的生涯。
- 在你最常用的音箱上，花十分鐘只調一個你喜歡的聲音，再用這個聲音即興：你有沒有彈出不一樣的句子？
- 沒有音量踏板，也可以用吉他上的音量鈕練：一句之內從七成推到十成，聽聲音怎麼「咬」起來。
重點三：在團體裡偷學，最後被請去「做自己」
2026 年接受器材品牌 Vertex Effects 的訪談時，卡爾頓談到他在爵士十字軍樂團的那些年。他說和這群人一起做了十三張專輯，學到非常多：和聲向喬·山普學，感覺向薩克斯風手威爾頓·費爾德（Wilton Felder）學，還有鼓手史提克斯·胡柏（Stix Hooper）打鼓時的那種自由。他說，那些歌不只是音軌，而是一場一場的演出。他們通常包下錄音室兩週，器材架好不動，每天上午十點進去，沒有試聽帶、只有和弦譜，也沒有壓力。
他也坦白，自己小時候聽的是流行和爵士，並沒有買過摩城（Motown）唱片，對那類靈魂樂吉他的語彙很陌生；是當上錄音室樂手後，坐在真正會彈那些東西的人旁邊，才把那些影響吸收進來。他提到大衛·T·沃克那些小九和弦的句子，說自己沒有聽過那些唱片，是在不知不覺中，從身邊的人身上學到的。
被問到是哪張唱片讓他覺得自己「到了」，他說那是累積來的：從爵士十字軍時期的音量踏板，到後來一個轉變，大家開始打電話請他來「做自己」，而不是「你能不能彈得像這個、像那個」。他舉了歌手麥可·法蘭克斯（Michael Franks）的專輯為例：他、喬·山普、鼓手約翰·格林（John Guerin）和威爾頓·費爾德拿著和弦譜進錄音室，製作人湯米·李普瑪（Tommy LiPuma）找他們，就是因為知道他們會當場編出東西，三小時錄三、四首，一點也不難。
他對同輩的態度也很值得學。2025 年他回憶，大約 1975 年第一次見到比他年輕的羅班·福特（Robben Ford），那時福特被找來接替他參加瓊妮·密契爾（Joni Mitchell）的巡演，到排練現場看他用了什麼哇哇踏板和音量踏板。後來他在北好萊塢的晚餐俱樂部聽到福特彈，覺得這孩子身上有一種火、一種鬆、一種純真，他立刻有反應，心裡想：我得學一點這個。於是他重新自我介紹，兩人成了朋友，福特到他家一起彈，他說福特當時那種帶點搖滾的東西，確實進了他的演奏。
他也提到，喬·山普對精準要求很高，他半開玩笑地說，你去看任何一支山普的影片，看他的腳就知道了。和一位要求精準的人長期合作，等於每天都在上一堂節奏課。對學吉他的人來說，這提醒我們：找合作夥伴時，不要只找讓你舒服的人，也要找讓你不得不變好的人。
更有意思的是，這些合作常常是從現場開始的。2026 年的訪談裡，他說他的理解是：薩克斯風手湯姆·史考特（Tom Scott）和瓊妮·密契爾有些認識，某個星期二晚上，她來到烤馬鈴薯聽他們演出，他事先並不知道。聽完後她告訴史考特，想和他們進錄音室看看會發生什麼。一場平常的週二夜晚演出，就這樣變成了一張唱片的開始。
說到瓊妮·密契爾，他在貝托的訪談裡回憶錄〈Amelia〉那幾晚：她已經先錄好自己的雙軌木吉他和導唱，對他說，去彈吧，給我兩、三遍，沒有和弦譜，全憑直覺、自由地彈。他說她是很棒的剪輯者，如果他給了她魔法，她會把對的東西放進去，讓他看起來很棒。2026 年的訪談他也提到〈Help Me〉：大家拿著從試聽帶抄下來的和弦一起進去彈，每個人找到自己的聲部，一切就這樣流動起來。
- 找一位風格和你不同的同輩樂手，約他每月一起彈一次，事後寫下「我想學走的一件事」。
- 練一首歌時，不看譜，聽兩遍就上去彈三遍，錄下來，挑出最有直覺的那一遍。
- 替自己的演奏找一個「只有你會這樣彈」的特徵，例如某種和弦、某種推弦，刻意把它練得更好。
替自己的音樂做主：自己製作、讓錄音能在台上活
做自己，也包括替自己的音樂做決定。貝托問他，為什麼個人專輯都自己製作？他說，因為他覺得自己已經準備好製作自己的吉他聲音了。當年他在洛杉磯的爵士俱樂部和喬·山普等人演出，一位哥倫比亞唱片（CBS）的製作人上前問他想不想出唱片，給了他一筆試錄的錢。他找來一群好朋友錄了四首，CBS 想簽他，但有一個條件：要用他們的製作人。他拒絕了。
他把同樣的四首歌寄給華納兄弟唱片的湯米·李普瑪，跟對方說明：讓我先做第一張，如果不成功，我就和你們的人合作。對方答應了，結果之後的專輯都由他自己製作。他笑說，那時的自己剛好夠自負，也準備好去犯錯。
他對錄音的想法也很實際。他提到有一首曲子，他作曲時用鼓機設了一個循環，請鼓手來錄時，對方提議分兩次錄、先錄一軌現場再疊一軌，把律動做得更精準。他說不行，因為他之後要到現場演出，那樣在台上會感覺不對。鼓手想了想，聽著他的鼓機，自己想出一個模仿那個循環的律動。他說，如果當時疊成兩軌，他大概永遠不會在現場彈那首，因為怎麼彈都不會感覺好。
當別人的錄音室樂手時，他的態度則是另一面。貝托問他會不會在錄音中反駁製作人，他說有些時候應該反駁卻沒有；有些製作人其實不太懂自己在做什麼，會湊到他耳邊說「再給我多一點」，他就彈一點東西，直到對方笑了。他說，因為他是服務者，他想讓對方滿意。關於他「把自尊收起來」的完整說法，〈賴瑞·卡爾頓（Larry Carlton）：「Mr. 335」的錄音室傳奇〉那一課已經整理過。2026 年談到替鋼鐵丹寫和弦譜，他也特別澄清：那只是把對方給的試聽帶聽寫下來，和弦排列早就在裡面了，他不希望大家以為他的貢獻比實際更多。
- 錄自己的作品時，先問一句：這個版本我能在台上彈出來嗎？不能的話，改成能的版本。
- 替別人伴奏時，先把對方要的給足，再在空檔提出一個你的點子，讓對方決定。
重新學自己的獨奏、彈砸也承認、休息兩個月也沒關係
2025 年的訪談裡，主持人提到他多年後回到鋼鐵丹（Steely Dan）樂團的舞台，重新彈那些三十多年沒碰的聲部。他說，樂團的吉他手瓊·赫靈頓（Jon Herington）知道所有聲部，讓他輕鬆不少；但他還是得決定：〈Kid Charlemagne〉的獨奏，要一個音一個音照原樣學回來，還是照他三十五年後會怎麼彈就怎麼彈？他問了好幾位朋友，大家都說：你一定要學那段獨奏。
於是他在家裡下功夫，想著自己當年是怎麼按的，把自己的獨奏重新學起來。他說首演那晚彈對了，觀眾也認出那段獨奏；接下來幾場都很好。可是到了洛杉磯，他沒彈好，不知道是有點緊張還是聽得不對，隔天當地報紙的評論就點名他彈砸了。他很坦然：那是真的，我沒彈好，我承認。這個故事很適合給每個怕失誤的人聽：大師也會彈砸，重要的是承認、然後下一場繼續彈。
他也不把練琴神化。2019 年貝托問他：如果你兩個月沒碰吉他，再拿起來是什麼感覺？他說，他會覺得手感退步了、應該多彈一點；但那只是人生的一個季節，他做了很多別的事。他從六歲就開始彈吉他，離開兩個月對他其實是好事；他願意接受手感不如最好的時候、點子來得沒那麼快，因為他不在那個思考狀態裡，但沒關係，就來試著做音樂吧。
2025 年他還補充了一點：他小時候抱著吉他坐在沙發上，吉他幾乎變成身體的一部分，但他也一直有運動，放學後打美式足球、籃球，做所有孩子會做的事。他說，你需要離開樂器的時間，才能再回來，也才能當一個孩子。回到房間後，他就對著巴尼·凱塞爾（Barney Kessel）、東尼·莫托拉（Tony Mottola）、強尼·史密斯（Johnny Smith）的唱片，用耳朵把東西抄下來；他說六十五年後，他還能彈出十二、十四歲時在房間裡學會的東西。至於他早年拒絕繼續一場不專業的錄音，〈賴瑞·卡爾頓（Larry Carlton）：「Mr. 335」的錄音室傳奇〉那一課已經寫過，這裡不重複。
- 把自己一年前錄的一段獨奏，照原樣重新學一次，再用今天的你重彈一次，比較兩個版本。
- 演出失誤後，只寫一句事實（哪一小節、為什麼），不要寫自責的話，然後安排下一次演出。
- 安排固定的「離開吉他」時間：運動、散步、聽別的音樂，回來時先彈一首最愛的歌暖身。
我們可以怎麼練
| 他說的重點 | 可以這樣練 |
|---|---|
| 在和弦上疊三和弦 | G7 上彈 E、G、B♭、D♭ 四個大三和弦，聽哪個最有顏色 |
| 錢音就是最有顏色的音 | 大七和弦上彈五度的大三和弦，找出你最愛的一個音 |
| 三和弦要靠節奏變有趣 | 同樣四個三和弦，用三種不同節奏型彈 |
| 追的是感覺 | 每週一首抒情曲，只彈旋律、閉眼彈一遍 |
| 好音色讓你想彈 | 調一個讓你想彈的聲音，再用它即興 |
| 在團體裡偷學、做自己 | 每月和不同風格的樂手合奏一次，寫下想學的一件事 |
- 先在一個屬七和弦上，找到疊上去的大三和弦。
- 把這些三和弦用節奏變化串成短句。
- 回到一首抒情曲，用三和弦的音去裝飾旋律，而不是取代旋律。
- 錄下來，問自己：每個音都有話要說嗎？
排成一週的菜單（每天約四十分鐘）可以這樣做：
- 週一：G7 上四個疊上去的大三和弦，每個在兩個把位按出來。
- 週二：Cm7 到 F 的進行，只用三和弦即興，練三種節奏型。
- 週三：抒情曲日，只彈旋律，練長音與強弱。
- 週四：找一個鋼琴和弦聲音，在吉他上試出最接近的按法。
- 週五：和朋友合奏或跟錄音一起彈，不看譜，聽兩遍就上。
- 週末：重學自己以前錄的一段獨奏，再用今天的方式重彈一次。
資料來源
- Rick Beato YouTube 頻道〈The Larry Carlton Interview〉（攝於 The Baked Potato），2019 年 6 月 15 日上傳
- TrueFire〈Larry Carlton - 335 Improv - Breaking Down Triads〉教學影片片段，2009 年 11 月 19 日上傳
- Thinking About Guitar〈Larry Carlton: The CHAOTIC John Lennon Session, Relearning Steely Dan, Playing in the Zone〉，2025 年 8 月 29 日上傳
- Vertex Effects〈Larry Carlton Breaks Down His Most Iconic Guitar Parts〉，2026 年 4 月 24 日上傳
本課譜例為濃縮示範。需要整首完整的吉他譜、針對你的程度調整彈法，歡迎預約上課，老師一對一帶你練。
LINE 預約上課- 在和弦上疊三和弦：G7 上的 E 大三和弦，就是他走路上學時想通的起點。
- 最有顏色的音是「錢音」；三和弦要靠節奏與詮釋才會有趣。
- 喜歡一個聲音，花幾年時間，它就會從你的手裡出來。
- 追的是感覺而不是音符：柯川的《Ballads》只吹旋律，就足以打動人。
- 好音色會讓你彈出不一樣的東西，音量踏板是他的動態工具。
- 在團體裡向身邊的人偷學，最後別人會請你來「做你自己」。
- 大師也會彈砸；承認、繼續演，休息一陣子也沒關係。
常見問題
賴瑞·卡爾頓說的「錢音」是什麼？
他在 2019 年瑞克·貝托的訪談中，把在和弦上疊三和弦時出現的高張力、最有顏色的音叫做「錢音」（money notes），例如在 G 上面彈 D 大三和弦。他說這個觀念是自己摸索出來的，因為老師從沒教過他音階和調式。
他的三和弦觀念是怎麼來的？
國中時他在走路上學的路上想著 G13♭9 和弦，發現它的頂端是一個 E 大三和弦疊在 G7 上，作用像減和弦，所以還有另外三個位置也能這樣疊。之後遇到複雜和弦，他就會想上面還可以疊哪個和弦。
卡爾頓認為好的即興者有什麼特質？
他在 2025 年的訪談中說，有些人能彈很多音卻不打動人，好的即興者是每個音都讓你覺得他有話要說。他年輕時被喬·帕斯和柯川的《Ballads》感動，就一直追那種感覺。
他怎麼看練琴與休息？
他說兩個月沒碰吉他，手感會退步，但那只是人生的一個季節，對從六歲就開始彈的他反而是好事。他小時候也一直有運動，認為需要離開樂器的時間，才能再回來。
他說「被請去做自己」是什麼意思？
2026 年他受訪時說，職業生涯到某個階段，大家打電話請他是為了要他「做自己」，而不是模仿別人；例如替麥可·法蘭克斯錄音時，製作人知道他們會當場編出東西，三小時就錄好三、四首。
照片：Kenneth C. Zirkel／CC BY-SA 4.0／Wikimedia Commons
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《大海嘯》榮獲 2012 華語金曲獎「年度最佳獨奏專輯」，並入圍第 23 屆金曲獎最佳演奏專輯；著有《指彈吉他訓練大全》；曾擔任上千場大型演唱會的樂手，合作過李宗盛、周杰倫、張惠妹、田馥甄等歌手。擁有 30 年演出與教學經驗，在台北中山區親自一對一教學（台北學吉他・盧家宏吉他音樂教室），也開設線上吉他直播班。
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